Blues am Klavier lernen: Mehr als nur Akkorde

Blues ist Leidenschaft, Sinnlichkeit, Groove und Genuss. Wenn du Blues am Klavier spielen möchtest, kannst du dich ganz einfach am Standard-12-Takt-Bluesschema bedienen und einen Blues spielen. Wirklich so einfach? Naja, nicht ganz.

Akkordfolgen wie das 12-Takt-Bluesschema oder ganz generell das Spielen einer x‑beliebigen Folge nach Akkordsymbolen sind definitiv essentiell wichtig. Um mit Bluespiano und Bluesimprovisation zu starten, das A und O!

Dazu habe ich bereits einen Artikel mit Beispielakkordfolgen zum Nachspielen geschrieben.

Allerdings ist die Akkordfolge nur das nackte Grundgerüst. Du musst es mit Leben füllen! Prinzipiell gilt das für jeden Song, egal welcher Musikrichtung. Aber für Bluessongs einmal mehr! Denn viele kleine Details, verschmierte Töne, Blue-Notes und Slides machen einen Blues erst zu dem, was er ist.

Entdecke die wunderbare Welt des Bluespianospiels!

Als Anfänger ist es selbstverständlich völlig legitim, dass du dich erst einmal um das grundlegende Akkordgerüst am Klavier kümmerst. Ohne das geht es schließlich kaum.

Aber wenn du schon einen Schritt weiter bist, wünschst du dir vielleicht mehr. Und das solltest du auch! Denn es gibt noch so viel mehr! Grandioses. Fantastisches aus der wunderbaren Welt der Bluesmusik. Da wäre es doch wirklich schade, wenn du den spannendsten und genussvollsten Teil des Bluespianospiels weglassen würdest!

Deine Motivation für Bluespiano: Kennst du dein Ziel?

Weißt du überhaupt, wo du hinwillst? Führe dir dein Ziel vor Augen! Denn genau das wird deine Begeisterung anfachen, dich immens motivieren und dein Klavierspiel spürbar voranbringen.

Wo willst du mit deinem Blues am Klavier hin?

Frage dich also, wie du gerne spielen würdest. Hast du einen Künstler, dessen Spielstil du liebst? Ray Charles, Otis Spann, James Booker? Welche Aufnahmen faszinieren dich?

Achte hierbei vor allem darauf, wie der Song von den Musikern gestaltet wird. Insbesondere vom Pianisten. Es ist weniger entscheidend, welcher Song es ist. Wichtiger ist, wie er gespielt wird.

Vergleiche mit deinem Bluespianospiel!

Und dann mach dir bewusst, wie du den Song selbst spielen würdest. Was genau ist der Unterschied in der stilistischen Gestaltung?

Oft ist es gar nicht so leicht, der Sache auf den Grund zu gehen.

Am besten probierst du es mit einem konkreten Song direkt am Klavier aus. Suche dir eine Aufnahme, bei der dich das Pianospiel fasziniert.

Falls du einen Vorschlag brauchst, vielleicht gefällt dir dieser 12-Takt-Bluessong, Stormy Monday, gespielt vom wunderbaren Bluespianisten James Booker:

Oder du hörst dir die beiden Bluessongs aus einem Schema von 8 Takten an, die ich samt Akkordfolgen bereits ausführlich beschrieben habe.

Falls du dich für einen anderen Song entscheidest, entschlüssele die Akkordfolge nach Gehör oder suche sie dir online oder über die App iReal Pro. Und dann spiele den Song zum Vergleich nach.

Welchen Vergleich ziehst du? Falls du damit schon zufrieden bist, bist du entweder sehr genügsam oder bereits ein leidenschaftlicher Bluespianospieler.

Vielleicht merkst du aber auch sehr schnell, dass du durch ein einfaches Runterspielen der Akkordfolge nicht auch nur annähernd an das Pianospiel der Aufnahme herankommst. Irgendwie klingt es so ähnlich, aber es fehlt etwas. Im Grunde fehlt eine ganze Menge! Aber was eigentlich?

Wenn ich es in einem Wort zusammenfassen müsste, würde ich sagen, es fehlt das Bluesfeeling.

Blues lernen am Klavier: Die Sache mit dem Bluesfeeling

Du kannst dir noch so viel Mühe geben, die Folge entsprechend den Akkordsymbolen exakt nachzuspielen. So vieles ist aus der simpel dahingeschriebenen Akkordfolge jedoch einfach nicht ersichtlich. Dennoch ist diese Information für einen geübten Bluespianospieler durchaus ausreichend, um mehr daraus zu machen! Und für dich bald auch!

Im Grunde musst du dich von den Akkordtönen ein Stück weit lösen, sie ergänzen und bereichern, um genussvollem, authentischem Bluespiano eine Chance geben zu können.

Klingt wie Hokuspokus?

Vielleicht ein bisschen. Magisch ist es definitiv. Aber kein Hexenwerk in der Umsetzung!

Machen wir uns auf die Suche nach dem magischen Bluesfeeling am Klavier. Was kannst du also konkret tun? Wie kommst du mit deiner Version des Bluessongs näher an die so faszinierende Bluespianoaufnahme heran?

Bluespiano spielen: Tipps und Tricks für die Gestaltung eines Blues am Klavier

Ich habe für dich ein paar grundlegende Tipps und Tricks für genussvolles Bluespiano herausgesucht, wie sie auch die Profis ausgiebig verwenden. Du kannst diese Gestaltungsmittel in zahlreichen Songs aus dem Blues und darüber hinaus hören und selbst verwenden. Oft wirken sie vielleicht wie belanglose Kleinigkeiten. Deren Wirkung ist allerdings deutlich größer!

Sowohl dein Spiel- als auch Hörgenuss profitieren gleichermaßen unglaublich davon. Versprochen. Nach der Bluestonleiter wirst du hier übrigens vergeblich suchen. Die brauchen wir dafür nicht.

Es wird spannend! Legen wir los mit ganz konkreten Tipps für Blues am Klavier.

Schräge Töne beim Bluespiano

Der Blues lebt davon, dass Töne beigemischt werden, die nicht zum Akkord oder zur entsprechenden Tonleiter gehören. Das Danebenliegen macht den Charakter eines Blues mit aus. Du bist also herzlich eingeladen, mit deinen Fingern daneben zu langen.

Prinzipiell kannst du jeden Ton einbauen, den du auf der Klaviatur finden kannst. Wirklich jeden! Und vielleicht ahnst du jetzt auch schon, wie hilfreich diese Tatsache für dich sein wird?

Naja, bis es ganz offensichtlich ungünstig klingt, muss schon einiges zusammenkommen. Wirklich falsche Töne gibt es ja nicht. Du spielst vielleicht lediglich etwas anderes als beabsichtigt.

Das ist dein Vorteil, den du als Riesenchance begreifen solltest! Es hilft dir, dich mutig ans Experimentieren heranzuwagen. Auch bei etwaigem Lampenfieber erweist sich diese Tatsache als äußerst beruhigend!

Allerdings heißt das für dich auch: Wenn dein Blues nicht wie ein Dauerlangweiler klingen soll, musst du die Akkordtöne mutig verlassen. Die ganz besonders betörenden Töne liegen oft gerade einen Halbton über oder unter einem Akkordton.

Wage dich also vor ins Tonterrain der unbegrenzten Möglichkeiten und teste beliebige Töne beim Spielen aus. Die, von denen du denkst, dass sie ganz und gar nicht passen, probierst du erst recht. Und dann lässt du deine Ohren entscheiden, ob und wie viel Sinn ein Ton an einer bestimmten Stelle macht.

Der schräg klingende Ton kann aufgelöst werden oder auch nicht. Und du kannst beispielsweise auch zwischen akkordfremdem Ton und Akkordton hin- und herpendeln. Wichtig ist, dass du wirklich mutig ausprobierst und dir neue Möglichkeiten erschließt. Nur wenn du deinen Horizont im Hören und Spielen erweiterst, kannst du einen kreativen Bluesstil am Klavier entwickeln.

Die Blue-Note Mollterz beim Blues am Klavier

Zumindest einen schrägen Ton, meine Lieblings-Blue-Note, möchte ich dir jetzt etwas genauer vorstellen. Und sehr ans Herz legen! Es ist die kleine Terz oder Mollterz.

Häufig ist die Terz nicht festgelegt auf Dur- oder Mollterz, also große oder kleine Terz. Das betrifft alle Musikrichtungen, in denen schräge Töne gerne gesehen sind. Also weite Teile des Jazz. Und ganz besonders Blues und Gospel!

Die kleine Terz mag ich ganz besonders gerne und dementsprechend ausgiebig kommt sie bei mir auch zum Einsatz. Wenn du dir nur einen schrägen Ton merken willst, dann sollte es die Mollterz sein! Sie wird dein Bluespianospiel revolutionieren. Sowohl bei der Melodie, als auch ganz besonders in der Harmonisierung.

Merke dir die Mollterz der Tonika!

Die kleine Terz der Tonika, also des Grundakkordes, darfst du dir übrigens für den ganzen Song merken! Warum? Du wirst merken, diese Taste macht sich nicht nur beim Tonikaakkord gut!

Wie auch immer der konkrete Bluessong strukturiert ist, er wird neben der Tonika sicherlich auch Subdominante (IV) und Dominante (V) enthalten. Die Mollterz der Tonika ist auch gleichzeitig die kleine Septime der Subdominante und die übermäßige Quinte bei der Dominante! Volltreffer. So hast du mit dieser einen Taste dein Universum der schrägen Töne schon deutlich erweitert.

Mollterz der Tonika am Beispiel von F‑Dur

Nehmen wir zum Beispiel einen Blues in F‑Dur. Die Durterz ist A. Die Mollterz einen Halbton tiefer, also A♭. Für diesen Song solltest du dir also A♭ merken. Der Ton A♭ erweitert den Dreiklang der Subdominante B♭ zum Septakkord B♭7. A♭ erweist sich also auch bei der Subdominante als sehr nützlich.

Aber es kommt noch besser. Du kannst das A♭ nämlich auch im Dominantseptakkord C7 hervorragend gebrauchen. A♭ ist hier kein Akkordton. Das wäre höchstens bei C⁺⁵ der Fall. Das A♭ entspricht nämlich der übermäßigen Quinte.

Die Theorie ist aber gar nicht entscheidend. Viel wichtiger ist, wie vortrefflich es klingt! Probiere es aus und spiele ein A♭ zum C7-Akkord. Du bekommst eine Dissonanz allererster Sahne, die Bluesherzen höher schlagen lässt.

Es gibt also vielfältige Einsatzmöglichkeiten für die Mollterz der Tonika! Selbstverständlich kannst du aber dein Augenmerk auch auf die Mollterz des jeweils gespielten Akkordes legen.

Die Mollterz in der Bluesbegleitung

Das Pendeln zwischen kleiner und großer, also Moll- und Durterz solltest du unbedingt verinnerlichen. Im Blues wird das sehr, wirklich sehr oft verwendet. Im Akkordschema tauchen die Wechsel zwischen Dur und Moll nicht auf. Sie sind auch nicht zwingend notwendig, um den Song zu spielen. Aber sie sorgen für einen spannenden bluestypischen Sound.

Wie lässt sich das am Klavier umsetzen?

Die Akkorde sind in Dur aufgeschrieben. Das ist auch das Tongeschlecht, in das sich die Harmonien im Normalfall letztlich auflösen. Wenn du vorher kurz die Mollterz spielst, erzeugst du eine spannende Reibung und damit einen bluestypisch genussvollen Reiz für die Ohren.

Prinzipiell kannst du das Pendeln von Moll nach Dur im Einzelnen nach deinem eigenen Belieben gestalten. Eine häufig verwendete, praktische und gut klingende Variante funktioniert über Slides, also das Gleiten von einem Ton auf der Klaviatur zum anderen.

Wenn du einen Akkord anschlägst, gleitest du mit deinem Finger von der kleinen zur großen Terz. Kurz bevor du den Durakkord spielst, lässt du somit die Mollterz erklingen. Du rutschst also über die Mollterz in den Durakkord.

Slides von schwarzen zu weißen Tasten funktionieren natürlich ganz besonders gut. Einer von mehreren Gründen, warum ich F‑Dur liebe! Denn das Sliden von kleiner zu großer Terz ist hierbei nämlich auch bei Dominante ( C ) und Subdominante (B♭) äußerst bequem.

Bei häufigerem Anschlagen eines Akkordes kannst du das Sliden von Moll nach Dur gerne jedes Mal einbauen. Im Blues kann es kaum zu viel davon geben! Es ist einfach zu schön. Häufig wird der geslidete Akkord sogar durchweg zum Standard. Es lohnt sich also sehr, diesen Dauerbrenner gut zu üben und zu verinnerlichen.

Grundsätzlich gilt aber: Mach es, wie es deinem persönlichen Geschmack entspricht. Ob du den Moll-Dur-Slide nur gelegentlich oder intensiv nutzen möchtest, obliegt letztlich voll und ganz deiner eigenen Vorliebe. Um das entscheiden und flexibel dosieren zu können, solltest du ihn aber unbedingt kennen und parat haben.

Slides für einen bluestypischen Spielstil am Klavier

Slides sind ein hervorragendes Mittel, um deinen Blues stilistisch zu verfeinern. Nicht nur beim Moll-Dur-Slide. An allen möglichen Stellen kannst du Slides einbauen. Es klingt wie ein Verschmieren von Tönen und erzeugt eine spannende Chromatik. Meistens passt es besonders gut, wenn du vom akkordfremden zum akkordeigenen Ton slidest.

Von schwarzen nach weißen Tasten slidest du gut mit einem Finger. Wenn es dir lieber ist, kannst du aber auch zwei verschiedene Finger dafür nehmen. Von Weiß nach Schwarz geht es dagegen nur mit zwei Fingern. Aber unabhängig davon, wie genau du es umsetzt: Du solltest unbedingt Gebrauch davon machen!

Ich gebe es zu, Special Showacts sind Slides eher nicht. Doch diese kleinen, feinen Verzierungen heben dein Klavierspiel allgemein auf ein höheres Level. Ihre großartige Wirkung entfaltet sich insbesondere dann, wenn du sie regelmäßig in dein Bluespianospiel integrierst. Mit Slides kannst du relativ einfach einen wunderbar bluestypischen Spielstil kreieren.

Vorschläge im Blues am Klavier

Ähnlich wie Slides und nicht immer genau voneinander abgrenzbar sind Vorschläge. Im Gegensatz zu den Slides sind Vorschläge im Übergang weniger kontinuierlich. Die zwei Töne werden stärker als einzelne wahrgenommen. Vorschläge können außerdem auch über Ganztonschritte oder größere, beliebige Intervalle gespielt werden.

Auch hier landest du auf deinem Zielton erst nach kurzem Anschlagen eines anderen Tones. Du kannst es von jedem beliebigen Ton aus versuchen. Solange du nach dem Vorschlag auf einem Akkordton landest, bist du auf jeden Fall auf der sicheren Seite.

Deiner Experimentierfreude sind aber selbstverständlich keine Grenzen gesetzt. Ausgiebiges Experimentieren ist Pflicht. Nur so bekommst du ein Gefühl dafür, was geht und was nicht und was deine liebsten Früchte auf der Torte sind.

An das Spielen von Vorschlägen solltest du nicht nur bei der Melodie denken. Sie machen sich auch in der Begleitung sehr gut. Eine unkomplizierte Variante wären hier Vorschläge von einem Akkordton zu einem anderen Ton des Drei- oder Vierklangs.

Doppelvorschläge und Schleifer für Bluespiano

Du kannst einen Ton auch über mehrere andere anspielen! Es handelt sich dann nicht mehr um einen einfachen Vorschlag. Spielst du den Zielton über zwei andere Töne an, hast du einen Doppelvorschlag. Die Schleifer können aber auch noch länger sein und sich über mehrere Töne erstrecken.

Die Varianten, in Töne sozusagen hineinzurutschen ist vielfältig und faszinierend. Mit solchen Verzierungen bereicherst du dein Klavierspiel und deine Improvisation immens! Sie sind gut und einfach umzusetzen, machen beim Spielen richtig viel Spaß und passen bei vielen Musikrichtungen ganz hervorragend.

Gerade für Bluespiano solltest du Slides, Vorschläge, Doppelvorschläge und Schleifer – also das Anspielen von Tönen über andere – unbedingt in dein gestalterisches Standardrepertoire aufnehmen!

Arpeggios oder rollende Akkorde im Voicing für Bluespiano

Im Blues werden die harmonisierenden Töne gerne nacheinander gespielt. Und zwar so, als ob du in einem Schwung über die Saiten einer Harfe streichen würdest. Die einzelnen Akkordtöne werden meistens von unten nach oben schnell nacheinander gespielt. Nicht gleichzeitig, aber doch in einem Rutsch, als Einheit.

Egal, ob du solche Arpeggios oder rollende Akkorde nur spärlich oder exzessiv verwenden willst: Für das Spielen von Blues am Klavier solltest du sie definitiv beherrschen. Denn damit verleihst du bei deiner Bluesbegleitung selbst simpelsten Standardakkorden Laszivität, Charme und Genuss!

Tremolo für Blues am Klavier

Nicht immer geht es nur von unten nach oben durch die Akkordtöne. Beim Tremolo bringst du den ganzen Akkord zum Vibrieren. Dazu nutzt du die Drehbewegung deines Handgelenks.

Die einzelnen Akkordtöne werden schnell wechselweise in einem fort angeschlagen. Damit erzeugst du einen bebenden Klangeffekt. Die Saiten des Klaviers werden immer wieder neu angeschlagen und so kannst du hierbei auch die Lautstärke verändern und beispielsweise effektvolle Steigerungen erzeugen.

Setze das Tremolo von Akkorden im Bluespiano ein, wann immer du Lust darauf hast! Es kann auffällig ausgedehnt werden oder nur ganz kurz sein. Sich über eine Vielzahl von Tönen erstrecken oder sich auf nur zwei beschränken. Über größere Intervalle wie eine Oktave. Oder nur über eine Terz. Ich liebe das Tremolo beim Blues am Klavier. Du vielleicht bald auch?

Hier in A Bit of Soul, gespielt von Ray Charles, kannst du an mehreren Stellen Tremoli hören:

Fazit: Bluespiano lernen

Wenn du Bluespiano lernen möchtest, verinnerliche neben den Akkorden auch eine bluestypische Gestaltung. Denn erst diese macht einen Blues am Klavier so richtig reizvoll, indem du eine bloße Akkordfolge kreativ ausgestaltest.

Bluestypische Details, beispielsweise akkordfremde Töne, Slides, Vorschläge und Tremoli, machen am Klavier den Unterschied. Sie heben dein Bluespianospiel auf ein höheres Level und sorgen dafür, dass der von dir gespielte Blues auch wirklich wie einer klingt. Voller Genuss und Leidenschaft.

Also ran an die Klaviatur. Teste es aus!

👉 Weiterlesen: Bluesakkordfolgen als Grundlage für erfolgreiche Bluesimprovisation

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Das 12-Takt-Bluesschema, der Klassiker!

Wenn es unter Musikern spontan heißt, „Lasst uns einen Blues in F‑Dur spielen!“, dann ist damit das 12-Takt-Bluesschema gemeint. Dieses Akkordschema findet aber nicht nur im Blues Anwendung, sondern auch in zahlreichen anderen Musikrichtungen von Rockabilly bis Pop.

In aller Kürze sieht das 12-Takt-Bluesschema so aus:
| I | I | I | I |
| IV | IV | I | I |
| V | IV | I | V7:|

12 Takte bestehend aus Tonika (I), Subdominante (IV) und Dominante (V). Ausführlicher findest du das hier, wobei in diesem Beispiel eine Variation am Ende für den Turnaround enthalten ist.

Varianten des 12-Takt-Bluesschemas: Vierklänge, Quick Change, Turnaround

Das Akkordschema kann durch viele verschiedene, größere und kleinere Variationen abgeändert, bereichert und weiterentwickelt werden. Beispielsweise können Dreiklänge ganz oft zu Septakkorden ergänzt werden. Oder du fügst immer wieder Sexten hinzu.

Im zweiten Takt wird die Tonika häufig durch die Subdominante ersetzt, was als Quick Change bezeichnet wird. Du findest den Quick Change beispielsweise im bekannten und wunderschönen Song St. Louis Blues.

Auch der Turnaround am Ende kann unterschiedlich gestaltet werden und sich über einen oder zwei Takte erstrecken. Das erkläre ich dir weiter unten im Artikel genauer.

Aber ganz egal, was du veränderst, hinzufügst oder weglässt – das Grundschema der 12 Takte bleibt stets vorhanden. Es sind IMMER 12 Takte. Sonst ist es kein 12-Takt-Bluesschema. Eigentlich logisch, oder?

Bluesschema aus 8 Takten

Wer jetzt allerdings meint, ein Blues besteht immer aus 12 Takten, der irrt sich gewaltig! Mindestens genauso häufig, vermutlich sogar deutlich häufiger, besteht ein Bluessong aus einem Schema mit 8 Takten, die sich stets wiederholen. Nein, eine Statistik zur Häufigkeit der Akkordschemata ist mir nicht bekannt. Aber du kannst ja selbst einmal zuhören, auf die Takte aufpassen und dir einen Überblick verschaffen.

8 Takte sind unsere Ohren meist sogar besser gewohnt, was dir beim Spielen definitiv entgegenkommt. Außerdem musst du dir nur Akkorde für 8 Takte merken. Statt ganze 12. Klingt gut, oder? Wir sollten uns also 8‑Takt-Schemata einmal genauer ansehen.

Blues spielen mit Bluesfeeling

Eines noch vorneweg: Nicht allein die Akkordfolge macht einen Song zu einem Blues. Wichtig sind ein charakteristisch bluesiger Rhythmus, die Melodie, schräge Töne, typische Gestaltungsmittel wie Slides und vieles mehr. Wie du einen bluestypischen Spielstil entwickelst, erkläre ich ausführlich in einem anderen Artikel.

Aber am Anfang davon steht für ein Harmonieinstrument wie Klavier, Akkordeon, Gitarre oder Melodica das Akkordschema! Darauf aufbauend kannst du einen Blues kreieren, der unter die Haut geht.

Bereit?

Beispiele für 8‑Takt-Akkordschemata in Bluessongs

Ich möchte dir zwei 8‑Takt-Akkordschemata vorstellen, die sich großartig für einen Blues eignen. Das Praktische an den beiden Akkordfolgen ist, dass sie sich nur in der ersten Hälfte unterscheiden. Genau genommen sogar nur in Takt 2 und 3.

Die zweite Hälfte ist ein ganz normaler, typischer Abschluss mit Überleitung zur nächsten Runde und ist nicht nur bei den beiden von mir gewählten Songs gleich. Auch ganz viele andere gehen so oder so ähnlich zu Ende. Jetzt aber zu den konkreten Songs.

Beispiel 1: 8‑Takt-Akkordschema How Long Blues

Als erstes stelle ich dir ein Akkordschema aus 8 Takten vor, wie es im Song How Long Blues in folgender Aufnahme von Jools Holland am Piano zu hören ist:

Akkordschema 8‑Takt-Blues How Long Blues:

| I | I7 | IV7 | I |

| I | V7 | I IV7 | I V7:|

Für F‑Dur wären das dann die folgenden Akkorde:

| F | F(7)/E♭ | B♭7 | F |

| F | C7 | F B♭7 | F C7:|

Das ganze Akkordschema besteht lediglich aus Tonika, Dominante und Subdominante. Der Septakkord im zweiten Takt erzeugt eine reizvolle Steigerung und Überleitung zur Subdominante in Takt 3. Dabei klingt es sehr gut, die Septime auf der Klaviatur im Bass zu greifen.

Auch wenn das Akkordsymbol dafür auf den ersten Blick etwas kompliziert aussieht, ist es also gar keine große Sache. Die Septime ist lediglich ein kleiner Zusatz, aber mit großer Wirkung! Eine enorme Bereicherung gerade für Bluessongs im Stil des betrachteten Beispielsongs.

Beispiel 2: 8‑Takt-Blues Tain’t Nobody’s Biz’ness if I do

Und ich habe noch ein zweites 8‑Takt-Akkordschema für dich, das sich ebenso hervorragend für einen Blues eignet. Darauf beruht der Song Tain’t Nobody’s Biz’ness if I do. Die folgende Aufnahme von Jay McShann ist ein wunderbares Beispiel für einen genussvollen langsamen Blues:

Akkordschema 8‑Takt-Blues Tain’t Nobody’s Biz’ness if I do:

| I | III7 | IV | I |

| I | V7 | I IV7 | I V7:|

Für G‑Dur wie in der Aufnahme hast du dann folgende Akkorde:

| G | H7 | C | G |

| G | D7 | G C7 | G D7:|

Die Spannung in dieser Akkordfolge wird im zweiten Takt mit der dritten Stufe erzeugt. Die Harmonien in Takt 2 und 3 charakterisieren die Akkordfolge. Den Rest kennst du schon aus dem ersten Beispiel. Eine solche Ähnlichkeit ist gerade im Blues kein großer Zufall.

Die beiden Beispiellieder sind nur zwei aus einer riesigen Fülle an Songs, die sich an genau dem gleichen oder einem ganz ähnlichen Akkordschema bedienen.

Songaufbau bei 8‑Takt-Bluesschemata

Die 8 Takte werden in der Regel stets wiederholt. Oft für den ganzen Song. Ohne Unterteilung in Verse und Chorus.  Auch bei den beiden Beispielsongs ist das so.

Das macht das Improvisieren besonders einfach. Auch beim völlig spontanen Spielen bei Jam Sessions kommt dir das sehr entgegen. Denn nach spätestens 8 Takten kennst du den ganzen Song!

Die ersten vier Takte einer 8‑Takt-Akkordfolge

Das Akkordschema ist wie eine Erzählung oder ein Gespräch aufgebaut. Im ersten Teil wird ein Sachverhalt geschildert, eine Frage gestellt oder auf eine Problematik hingewiesen. Der erste Part baut Spannung auf und fordert somit eine Antwort oder Erklärung.

Die zweiten vier Takte einer 8‑Takt-Akkordfolge

In der zweiten Hälfte des Akkordschemas folgt die Antwort. Es ist zunächst der erklärende, beschwichtigende Part. Die Spannung wird herausgenommen. Erst ganz am Ende erfolgt mit dem Turnaround wieder ein Spannungsaufbau. Es ist wie eine Nachfrage anzusehen, die den ersten Part dazu bringt, wieder loszulegen.

Turnaround in Bluesakkordfolgen

Der Turnaround befindet sich zwar ganz am Ende einer Akkordfolge, nimmt aber eine zentrale Rolle in einem Song ein. Er ist sozusagen der Motor, der die Geschichte oder das Gespräch antreibt und stets für eine neue Runde sorgt. Fällt er weg, wird das Ende des Songs erwartet. Das betrifft das 12-Takt-Bluesschema genauso wie 8‑Takt-Akkordfolgen.

Der Turnaround kann in vielen verschiedenen Varianten gespielt werden. Zwei einfache Turnarounds, die im Grunde immer passen, stelle ich dir im Folgenden kurz vor.

Ziel des Turnarounds ist allgemein, am Ende zum Dominantseptakkord (V7) zu gelangen. Dieser leitet zur Tonika über und verlangt einen Start von vorn.

Einfacher eintaktiger Turnaround

Es geht ganz simpel, indem du einfach im letzten Takt den Dominantseptakkord spielst. Für den ganzen letzten Takt oder auch nur für die Schläge 3 und 4 dieses Taktes. Die Akkorde in den letzten beiden Takten sehen dann so aus:

| I | V7 | oder

| I | I V7 |

In F‑Dur:

| F | C7 | oder

| F | F C7 |

Beim 8‑Takt-Bluesschema wären das also die Takte 7 und 8. Beim 12-Takt-Bluesschema die Takte 11 und 12. Zum besseren Überblick und Vergleich mit einem zweitaktigen Turnaround habe ich den letzten und vorletzten Takt aufgeschrieben. Der eigentliche Turnaround findet allerdings erst mit dem Dominantseptakkord im allerletzten Takt statt. Deshalb eintaktiger Turnaround.

Es ist der einfachste Turnaround, den du auf jeden Fall auf Lager haben solltest. Denn du kannst ihn im Grunde immer verwenden. Insbesondere ist er dann super geeignet, wenn du eine Vereinfachung brauchst oder du es für einen konkreten Song weniger schnörkelig, dafür direkter magst. Bei schnelleren Tempi ist diese Variante außerdem sehr zu empfehlen, da ein Turnaround mit häufigeren Akkordwechseln (wie im folgenden zweiten Beispiel) dann viel zu gehetzt wirkt.

Die beiden beschriebenen Akkordfolgen verwenden einen zweitaktigen Turnaround, wie er in langsamen Bluessongs gut zur Geltung kommt. Nichtsdestotrotz könntest du die beiden letzten Takte auch mit der einfachen Variante ersetzen. Probiere es einfach mal aus.

Zweitaktiger Turnaround im Blues

Der Turnaround kann auch mehrere Akkordwechsel beinhalten und sich über zwei Takte erstrecken. Die Überleitung in die neue Runde wird dadurch frühzeitig angedeutet und ausgekostet. Dieser Turnaround kann zu einem wahren Höhepunkt des Songs ausgestaltet werden.

Gerade für langsameren Blues eignet sich ein zweitaktiger Turnaround wahnsinnig gut. Da hast du viel Zeit, um die zusätzlichen Akkordwechsel zu genießen und damit zu spielen.

Und weil die folgende Variante einfach so wunderbar ist, findest du sie auch in zahlreichen Bluessongs wieder:

| I IV7 | I V7 |

In F‑Dur als Beispiel:

| F B♭7 | F C7 |

Schon im vorletzten Takt wird die Überleitung vorbereitet. Durch die häufigeren Akkordwechsel wird mit dem Spannungsaufbau etwas gespielt, bevor der Dominantseptakkord erreicht wird und ein eindeutiges Signal zur Überleitung in die neue Runde gibt.

Dieser Turnaround wird auch in den beiden Beispielsongs verwendet. Höre dir die Songs am besten noch einmal an und pass auf, wie der Turnaround klingt.

Improvisieren über 8‑Takt-Bluesakkordfolgen am Klavier

Die beiden vorgestellten Songs mit ihren Akkordfolgen kannst du hervorragend als Grundlage für Bluesimprovisationen am Klavier nutzen. Spiele zunächst die Songs mit ihrer Melodie oder einer Variation davon nach. Vielleicht magst du zu deiner Begleitung auch summen oder singen.

Ein konkreter Song im Ohr ist oft äußerst hilfreich. Denn du kannst dich davon inspirieren lassen. Meistens fällt es leichter, davon ausgehend in die Improvisation zu starten.

Sobald du die Akkordfolge in den Fingern und im Ohr hast, ist Improvisieren in Endlosschleife angesagt. Eigene Melodien und deine persönlichen Akzente in Bass und Begleitung. Einmal zart mit höheren Tönen. Dann wieder kräftig in der mittleren Lage mit starker Bassunterstützung.

Welche Töne passen besonders gut? Wie kannst du akkord- und tonartfremde Töne in Begleitung und Melodie für dich nutzen? Wie lässt sich der Rhythmus spannend gestalten? Mit einem Harmonieinstrument wie dem Klavier hast du einen riesigen Spielraum zur Songgestaltung, den du unbedingt austesten solltest.

Spiele mit der Vielzahl an Möglichkeiten zur musikalischen Gestaltung. Bringe deine Kreativität zu Gehör und experimentiere mutig! Probiere meine Tipps aus und teste deine eigenen Ideen. Eine Runde nach der anderen. Unpassende Töne bringen dir ebenso neue Erkenntnisse wie exzellent getroffene.

Das Sammeln von Erfahrungen ist beim Improvisieren Pflicht. Ausdauernde Wiederholungen geben dir zahlreiche Chancen für Tests. Und ganz nebenbei wird die Akkordfolge deinen Ohren und Fingern bestens geläufig und verselbstständigt sich schließlich auf wundersame Art und Weise. Zum intensiven Hör- und Spielgenuss deiner eigenen Performance ist es dann nicht mehr weit.

Ich persönlich genieße es auch ganz besonders, zu meiner Klavierbegleitung zu singen. Warum, das erzähle ich dir in diesem Artikel.

Falls du dein Klavierspiel nach Akkorden mit einem Onlinekurs weiterentwickeln möchtest, schau dir meinen Artikel zu Freiklavierspielen an.
👉 Weiterlesen: Tipps für einen kreativen Bluesstil am Klavier

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Von Noten zur Improvisation ohne Noten

Es ist eine Kunst, Noten exakt so zu spielen, wie sie notiert sind. Sehr wahrscheinlich übst du genau das im Musikunterricht am allermeisten. Das Notenlesen hat auch seine Berechtigung. Denn durch das Aufschreiben von Noten können musikalische Ideen über Jahre und Jahrhunderte bewahrt und wiedergegeben werden. Auch für dich ist das ohne Zweifel sinnvoll!

Trotzdem soll es darum heute nicht gehen. Oder vielleicht nur als Ausgangspunkt, von dem wir uns ganz bewusst wegbewegen wollen. Denn genauso wichtig, wie das Notenlesen, ist es, sich davon lösen zu können. Eine Melodie zu variieren und letztlich über einen Song zu improvisieren.

Vorneweg muss ich dich allerdings warnen: Wenn du ein sturer Theoriefuchs bist, wird dich dieser Artikel nicht weiterbringen!

Wenn du stattdessen gerne ohne Theorie, dafür aber experimentierfreudig ins Improvisieren einsteigen möchtest, dann bist du hier genau richtig!

Wer mit den Grundlagen musikalischer Improvisation bereits vertraut ist, kann sich in diesem Artikel mit weiterführenden Tipps und Tricks inspirieren lassen.

Wie kann man improvisieren lernen?

Es gibt viele Wege, sich mit Klavier, Gitarre, Geige, Saxophon oder welchem Musikinstrument auch immer dem Improvisieren zu nähern. In diesem Artikel stelle ich dir eine praktische Methode vor, die den Fokus auf das Improvisieren einer Melodie legt.

Der Vorteil hierbei ist, dass du Schritt für Schritt vorgehen kannst. Die Vorgehensweise ist außerdem leicht umzusetzen und macht von Anfang an Spaß. Wenn du also improvisieren lernen möchtest, solltest du diesen Weg, der über Variationen der Melodie führt, unbedingt ausprobieren! Perfekt geeignet für alle Anfänger beim Improvisieren oder Spieler, die den Zugang zum Improvisieren über andere Wege noch nicht gefunden haben.

Variation im Unterschied zur Improvisation in der Musik

Was unterscheidet eine musikalische Variation von einer Improvisation? Manch einer mag es bereits Improvisation nennen, sobald man sich nur ein wenig von der ursprünglichen Melodie eines Songs wegbewegt. In diesem Artikel bezeichne ich eine sehr melodienahe Improvisation aber als Variation. Die ursprüngliche Melodie wird hier nur ein wenig abgeändert.

Den Begriff Improvisation verwende ich, wenn sich das Spiel weiter von der ursprünglichen Melodie wegbewegt. Eine völlig freie Improvisation orientiert sich fast nur noch an der Harmoniefolge und die ursprüngliche Melodie ist nicht mehr zu erkennen. Der Übergang von einer Variation zu einer Improvisation ist aber selbstverständlich fließend.

Über das Variieren einer Melodie kannst du dir sehr gut den Weg zum Improvisieren bahnen. Verändere die Melodie Schritt für Schritt und entferne dich immer weiter davon.

Et voilà: Ehe du dich versiehst, bist du bei einer Improvisation angelangt, die für dich am Anfang vielleicht noch unendlich weit weg und unglaublich schwierig erschien. Aber eines nach dem anderen.

Der Nutzen von Variationen in der Musik

Variationen mit deinem Musikinstrument bringen Abwechslung und eine persönliche Note in dein Spiel. Du änderst einen Song ein wenig ab und spielst ihn so, wie du ihn gerade hören möchtest. Du spielst spontan, was du fühlst. Auch wenn es beim exakten Notenspiel durchaus auch Möglichkeiten für eine individuelle musikalische Gestaltung gibt, so sind diese doch begrenzt.

Anders bei Variationen. Hier gehst du bewusst einen Schritt weiter und nimmst dir beim Spielen deutlich mehr Freiheiten. Du darfst kreativer sein und deine ganz persönliche Variante des Songs spielen. Genau das ist beim Covern eines Songs üblich.

Probiere es doch selbst einmal aus! Damit kannst du dem ursprünglichen Song ein schickes neues Gewand verpassen oder tolle neue Akzente setzen. Alles ganz nach deinem eigenen Geschmack!

Wie funktioniert improvisieren? — Variationen zur Improvisation weiterentwickeln

Wie oben bereits erwähnt, hat das Spielen von Variationen noch einen weiteren fantastischen Nutzen. Denn du kannst mit deinen Variationen auch Stück für Stück mehr wagen und dich auf diese Weise ans Improvisieren herantasten. Es ist ein sehr wirkungsvoller Weg zur Improvisation.

Das Grandiose daran ist, dass es spielerisch passiert. Du musst dafür keine Theoriebücher wälzen und keine Tonleitern üben, sondern lernst empirisch. Also durch Ausprobieren und deine dabei gemachten Erfahrungen. Und außerdem anhand eines Songs, den du gerne magst!

Nutze Variationen als Wegbereiter zu einer freien Improvisation! Klingt das für dich spannend? Im Folgenden erkläre ich dir, was du dafür brauchst und wie du es schaffst.

1. Grundlage für deine Improvisation: Einen Song wählen, der dir gut gefällt

Zuerst brauchst du einen Song. Und zwar einen, der dir persönlich richtig gut gefällt. Denn so wirst du automatisch viel ausdauernder experimentieren. Und genau das ist hier auch dringend erforderlich. Deshalb lohnt es sich definitiv, einige Energie in die Songsuche zu stecken. Da ich dieses Thema so unglaublich wichtig finde, habe ich sogar einen eigenen Artikel dazu geschrieben.

Wähle für das erste Ausprobieren von Variationen und Improvisationen einen Song, der dir leichtfällt. Du solltest die Melodie entsprechend den aufgeschriebenen Noten (oder nach Gehör) ohne große Anstrengung spielen können.

Falls dir die Melodie Mühe bereitet, spiele sie einige Male durch, bis du sie gut spielen kannst. Oder wähle einen anderen Song, bei dem du mit der Melodie besser zurechtkommst.

Außerdem solltest du den Song vom Hören her gut kennen. Wenn du direkt auf einen deiner Lieblingssongs zurückgreifen kannst, wird das kein Problem sein. Falls das nicht so ist, mach dich mit der Melodie gut vertraut. Durch eigenes Spielen oder durch Anhören einer Aufnahme. Denn wenn du einen Song im Ohr hast, werden dir auch das Variieren und Improvisieren viel leichter von der Hand gehen.

2. Von der Melodie zur Variation

Jetzt wagst du dich ans Variieren. Spiele zunächst (noch einmal) die ursprüngliche Melodie. Beim nächsten Durchgang spielst du die Melodie dann etwas freier. Baue kleine Änderungen ein, vielleicht erst im Rhythmus der Melodie, später dann auch in den Tonhöhen.

Du darfst Töne auslassen und kannst das auch nutzen, um schwierige Stellen zu vereinfachen. Stell dir einfach vor, du spielst mit anderen Musikern auf einer Jam Session. Hier geht es vorrangig nicht um jeden einzelnen Ton, sondern darum, dass die Musik im Fluss bleibt.

Du darfst die Melodie auch anders als aufgeschrieben fortführen. Ob bewusst oder aus der Not heraus, ist völlig egal! Für ein mehr oder weniger spontanes Zusammenspiel ist diese Fähigkeit eine der wichtigsten überhaupt.

Vielleicht ist dir die Melodie aber auch zu langweilig oder eintönig. Dann kannst du sie durch zusätzliche Verzierungen aufpeppen. Nimm dir die Freiheit, den Song nach deinen Vorstellungen zu verändern! Vielleicht brauchst du einige Anläufe, bis du deine Kreativität voll entfaltest. Das ist am Anfang aber völlig normal.

3. Zeit für viele Durchgänge und Ideen mit deinem Instrument

Nimm dir Zeit! Gerade wenn du mit Variationen und Improvisationen noch nicht so vertraut bist. Wenn du nur noch 10 Minuten hast, bevor du außer Haus musst oder Besuch bekommst, wird es schwierig, einen Song mit Kreativität und einer gelassenen Mentalität des Ausprobierens zu entwickeln.

Lass dich ohne Zeit- und Erfolgsdruck auf den Song ein. Wenn du neu an einem Song arbeitest, spiele einfach ein paar mehr Durchgänge hintereinander. Nur so kannst du verschiedene Ideen ausprobieren, hören und daraus lernen.

Dabei können durchaus 10 oder mehr Durchgänge zusammenkommen. Selbstverständlich darfst du dir auch 20, 30 oder wie viele auch immer gönnen! Unzählige eben. Und am besten ungezählt. Du solltest dir nach oben keine Grenze setzen.

Spiele, solange es dir gefällt oder bis dir die Ideen ausgehen! Neue Inspirationen zum Improvisieren findest du übrigens hier.

4. Mit Mut für Experimente Fortschritte hin zum Improvisieren machen

Fasse Mut für Experimente! Probiere aus, was geht und was nicht. Auf diese Weise lernst du unglaublich viel. Und das Schöne ist, du lernst es spielerisch. Direkt durch das Anwenden.

Wenn du beim Musizieren aus deinen eigenen Erfahrungen lernst, verankerst du das Gelernte in deiner Motorik und in deinem Hören. Du musst also kein theoretisches Wissen später mühsam zur Anwendung bringen.

Wage dich immer wieder neu aus deiner Komfortzone und probiere Neues aus. Wer hier nichts wagt, kann auch nichts gewinnen. Mit Sicherheit werden nicht alle deine Ideen funktionieren. Aber wenn du vorankommen willst, musst du sie ausprobieren!

Misslungene Experimente gehören dazu. Du solltest sie tolerant in Kauf nehmen und dich über die daraus gewonnene Erkenntnis freuen.

Falls du weitere Ideen für dein Spiel brauchst, dann höre dir verschiedene Aufnahmen des von dir gewählten Songs an und lass dich davon inspirieren!

Vielleicht findest du auch gecoverte Versionen, die weiter vom Original entfernt sind. Oder vielleicht gibt es Aufnahmen, bei denen verschiedene Instrumente Improvisationssoli spielen. Das ist eine großartige Möglichkeit, um neue Ideen für deine eigene Interpretation zu gewinnen.

5. Von der Variation zur Improvisation und zurück

Wenn du ein gutes Gefühl für Variationen deines Songs gewonnen hast, kannst du dich einen Schritt weiter Richtung Improvisation wagen. Lass dir nach wie vor viel Zeit und plane beliebig viele Durchläufe des Songs ein. Wage nach und nach immer mehr. Bewege dich weiter weg von der Melodie.

Bring deine eigenen Ideen voll und ganz ein, auch wenn sie völlig losgelöst von der Melodie sind. Entferne dich am besten so weit von der ursprünglichen Melodie, bis diese nicht mehr zu erkennen ist und du im Grunde nur noch der Akkordfolge folgst.

Für Zuhörer ist es oft angenehmer, wenn noch Reste der Melodie vorhanden sind und der Charakter des Stückes erhalten bleibt. Aus dieser Sicht ist deshalb zu empfehlen, letztlich etwas mehr als die bloße Akkordfolge in die Improvisation einzubeziehen.

Trotzdem ist aber natürlich alles möglich und du solltest es auch ausprobieren! Denn es wird dich sehr weiterbringen, wenn du die gesamte Bandbreite an Variationen und Improvisationen beherrschst. Dann kannst du später ganz bewusst wählen, wie frei deine Variante werden soll.

Und wenn du es erst einmal bis zu einer völlig freien Improvisation geschafft hast, wird das Zurückkehren zu einer melodienäheren Variante ein Leichtes für dich sein.

Mutiger improvisieren: Tipp zum Loslassen der aufgeschriebenen Noten

Die Noten loszulassen ist manchmal gar nicht so einfach. Du bewegst dich von sicheren Tönen weg ins Ungewisse! Deshalb gebe ich dir zum Schluss noch einen praktischen Tipp dafür.

Hast du bereits einige Durchläufe gespielt? Und dich mit ersten Variationen von den aufgeschriebenen Noten weggewagt? Gut.

Dann schau jetzt einfach einmal nicht mehr auf die Noten. Beim Klavier vielleicht in die Luft. Bei anderen, mobileren Musikinstrumenten dreh dich von den Noten weg, schau zum Fenster hinaus oder geh mit deinem Instrument ein paar Schritte spazieren.

Oft ist das sehr hilfreich, um sich besser und mutiger von der Melodie zu lösen. Die Aufmerksamkeit richtet sich dadurch weg vom visuellen Notenlesen hin zum Hören und zu deinen Fingerbewegungen. Du fokussierst dich auf den Spielvorgang und baust eine stärkere Verbindung zu deinem Instrument auf.

Du hörst dir selbst besser zu. Achtest viel stärker auf die erklingende Musik und kommst in einen Spielfluss. Spielst ohne nachzudenken spontan, was aus dir herauskommt. Und du wirst deine eigenen Experimente aufmerksamer beurteilen. Du wirst ganz klar merken, was dir gefällt. Was wiederholenswert ist und was nicht.

Ganz nebenbei ist es natürlich auch einfach ein tolles Gefühl, keine Noten zu benötigen!

Wage dich an Experimente, variiere und improvisiere mutig und gelassen und du wirst viel gewinnen! Wie du vom Improvisieren zum Komponieren kommst, erfährst du hier.

Wenn du weitere Tipps zum Einstieg ins Improvisieren mit deinem Musikinstrument kennst, dann erzähl mir davon im Kommentar!

👉 Weiterlesen: So übst du für eine Jam Session!

Der Beitrag Über Variationen spielerisch improvisieren lernen: Improvisierte Musik über einen empirischen Weg ohne Theorie erschien zuerst auf Musikbegeisterung.

Improvisation – Musik mit maximaler Freiheit

Herzlichen Glückwunsch, dass du auf meinem Artikel gelandet bist! Denn das heißt, du möchtest dich mit deinem Musikinstrument dem Improvisieren widmen und das ist eine sehr gute Idee. Es macht dich zu einem freieren, flexibleren und letztlich zufriedeneren und glücklicheren Musiker!

Falls du derzeit noch keine weitergehenden Impulse benötigst, aber dennoch improvisieren lernen und weiter üben möchtest, dann empfehle ich dir erst einmal den Artikel Über eine einfache Akkordfolge improvisieren.

Außerdem bekommst du in meinem Artikel Über Variationen spielerisch improvisieren lernen eine Anleitung, wie du ohne Theorie über einen Song improvisierst.

Improvisieren üben und verbessern – Techniken zur Gestaltung

Als bereits geübter Improvisationsanfänger findest du im Folgenden konkrete Spieltipps zum kreativen Gestalten deiner musikalischen Improvisation.

Improvisation mit Auftakt, auf die Eins oder verspätet beginnen

Auf welche Zählzeit beginnst du mit deiner Improvisation?

Es prägt den Charakter eines Stückes maßgeblich, ob die Melodie mit Auftakt beginnt oder nicht. Oder erst verspätet, also erst nach der Eins eines Taktes. Oft zieht sich dieses Merkmal durch das ganze Stück, dass beispielsweise alle Phrasen auftaktig beginnen. Probiere alle drei Varianten aus. Du wirst sehen, dass du damit deiner Improvisation jeweils einen ganz anderen Charakter verleihen kannst.

Verschiedene Taktarten und Rhythmus

Probiere verschiedene Taktarten aus! Gerade Taktarten, aber auch ungerade. Spiele nicht immer nur einen 4/4‑Takt, sondern auch einmal einen 3/4‑, 6/8- oder 12/8‑Takt.

Wenn du die Taktart und damit den Begleitrhythmus wechselst, wird dich das auch zu neuen Improvisationen in der Melodie inspirieren. Wenn dir der Begleitrhythmus einen Tango vorgibt, wirst du dazu automatisch anders spielen, als wenn es Reggae oder Swing ist.

Natürlich kannst du deine Improvisation auch zum Schwingen bringen und gerade Achtel durch Swing-Achtel ersetzen!

Wagemutige Töne beim Improvisieren spielen

Klar, an den Akkordtönen kannst du dich festhalten. Die passen immer. Aber wage dich ruhig auch einmal aus deiner Komfortzone und spiele Töne, von denen du nicht unbedingt denkst, dass sie passen. In vielen Fällen lassen diese sich gut auflösen! Oder du hältst den Ton und wartest auf einen Akkordwechsel, bis der Ton wieder passt. Hier ist vieles möglich!

Wenn du Erfahrungen im Umgang mit wagemutigen Tönen sammelst, nimmst du dir die Angst vor unerwartet unpassenden Tönen. Tatsächlich kannst du in einer Improvisation nahezu jeden Ton unterbringen, wenn du nur auf eine wohlklingende Art und Weise wieder davon wegkommst!

Glaubst du das nicht? Dann probiere aus, was geht und was nicht!

Experimentiere mit unerwarteten Tönen! Du wirst merken, dass du damit tolle Effekte erzeugen und Spannung aufbauen kannst. Probiere unbedingt auch einmal aus, mit dem Wechsel zwischen Dur- und Mollterz zu spielen!

Minimalistisches Improvisieren

Oft meint der Improvisierende, möglichst viele Töne spielen zu müssen. Aber nicht selten ist beim Improvisieren, wie auch anderswo, weniger sogar mehr. Beweise Mut für Pausen und setze diese wirkungsvoll ein!

Es ist eine gute Übung, auch einmal bewusst minimalistische Improvisationsdurchläufe zu starten. Also ausreichend Pausen lassen oder Töne länger aushalten. Oder aber die Melodie wie einen singenden Vogel spielen, der nur ab und zu einmal hineinzwitschert. So merkst du, dass du eigentlich gar nicht viel für eine schöne Improvisation brauchst.

Vorschläge und Triller

Du kannst deine Improvisation schön gestalten, indem du Töne über einen Vorschlag anspielst. Über einen Halb- oder Ganzton von oben oder unten. Denke außerdem daran, dass du Triller spielen kannst. Kurze Triller, die deine Melodie verzieren. Oder aber längere Triller, die für sich stehen und sogar über Akkordwechsel hinweg gespielt werden können.

Triolen

Triolen sind eine super Abwechslung in deinen Improvisationen und können wirkungsvoll Spannung aufbauen. Du kannst für die Triolen verschiedene Notenwerte wählen, beispielsweise Achteltriolen oder Vierteltriolen. So beschleunigst du entweder oder du ziehst die Melodie wie Kaugummi auseinander.

In jedem Fall erzeugst du damit eine spannungsvolle rhythmische Verschiebung. Ich setze sehr gerne Triolen beim Improvisieren ein. Es ist ein einfaches, aber äußerst effektvolles Gestaltungsmittel.

Bekannte Melodiestücke in die Improvisation einbauen

Kurzerhand borgst du dir ein kurzes Stück einer allseits bekannten Melodie und baust es in deine Improvisation ein. Damit bringst du nicht nur dich selbst zum Schmunzeln. Der Wiedererkennungs- und Überraschungseffekt wird auch bei deinen Zuhörern seine Wirkung entfalten!

Wenn dir beim Improvisieren gerade die Melodie eines anderen Songs einfällt, darfst du das gerne zum Ausdruck bringen! So erklingen vielleicht plötzlich ein paar Takte Jingle Bells in deiner Improvisation über einen ganz anderen Song.

Im folgenden Video spielt beispielsweise der Posaunist plötzlich einen kurzen Melodieausschnitt aus Maurice Ravels weltbekanntem Boléro (bei 3:02)!

Deine Improvisation bereichern durch Inspiration anderer Musiker

Beim Improvisieren ist deine ganz persönliche Kreativität gefragt. Dennoch heißt das nicht, dass du dir bei anderen Musikern nicht Ideen und Inspiration holen darfst. Ganz im Gegenteil. Das sollst du sogar! Lass dich inspirieren und nimm gerne alles, was dir ganz besonders gut gefällt, in dein Improvisationsrepertoire auf.

Geniale Licks, Bassgänge, überraschende Rhythmik oder genial schräge Töne. Egal, ob von deinen Mitmusikern, deinem Musiklehrer oder direkt von den besten Musikern dieser Welt. Schau dir von anderen was ab! Denn das bringt dich ein immenses Stück weiter und kann gut und gerne gerade für den entscheidenden Unterschied sorgen, der aus einer soliden Improvisation einen genussvollen Ohrenschmaus allerhöchster Güte macht.

Auf welchen Wegen kannst du dir solche wertvollen Inspirationen holen? Es gibt mehrere. Im Folgenden stelle ich sie dir vor.

Improvisationsideen durch Hören

Am einfachsten zu beschaffen sind Ideen aus Songs, die du dir anhörst. Jedenfalls, wenn du sowieso regelmäßig Musik hörst.

Am besten wirst du durch wiederholtes Hören von Songs auf inspirierende Stellen aufmerksam. Wenn du dich in einen Song gut eingehört hast, richtest du deinen Fokus viel mehr auf musikalische Details – hier eine Verzierung, da eine raffinierte Zwischenmelodie oder ein nachahmenswerter Bassgang. Nach und nach bekommst du solche kleinen, aber feinen Gestaltungen gut ins Ohr. Fehlt nur noch das Nachspielen mit deinem Instrument nach deinem Gehör!

Wenn du mehr Musik, vielleicht ganze Alben von einem Künstler hörst, wirst du auch Licks identifizieren können, die für einen Künstler typisch sind. Du wirst merken, dass die Künstler bestimmte Phrasen nicht nur in einem Song, sondern immer und immer wieder anwenden. Wenn du Licks identifizierst, die du einfach klasse findest, dann integriere sie unbedingt in dein Improvisationsrepertoire!

Du kannst solche Improvisationsbausteine gut üben und verinnerlichen, wenn du sie anfangs ganz bewusst in Songs, die du spielst, einbaust. Vielleicht immer an einer bestimmten Stelle eines konkreten Songs. Wenn du das dann oft genug so gespielt hast, hast du diese Improvisationsidee gut im Ohr und auch in deinen Fingern, sodass du sie bald in dein Standardrepertoire integriert hast und ganz automatisch auch in anderen Songs und Improvisationen spielen wirst.

Es ist wie ein neuer Satz, den ein Kind lernt und nachplappert. Oder eine bestimmte sportliche Übung, die Koordination erfordert, du aber nach einigen Wiederholungen ohne Probleme in einen beliebigen Bewegungsablauf einbauen kannst.

Manchmal ist es aber auch ganz schön mühsam, Licks nach Gehör zu identifizieren und nachzuspielen. Ganz besonders, wenn du dich mit Noten sicherer fühlst als beim Spielen nach Gehör.

Trotzdem empfehle ich dir, immer wieder einmal zu versuchen, etwas rauszuhören und nachzuspielen, denn es ist eine wunderbare Übetechnik für das Spielen nach Gehör.

Aber es gibt auch noch einige andere Möglichkeiten, mit denen du dir neue Improvisationsideen beschaffen und erarbeiten kannst.

Improvisieren lernen durch Tutorials bei YouTube oder Musikunterricht

Vielleicht hast du Musikunterricht, machst einen Onlinekurs oder schnappst dir gerne mal ein Videotutorial auf YouTube? Hier kannst du dir Licks und andere Improvisationsideen Schritt für Schritt erklären lassen. Pass aber auf, dass du das Gelernte oft genug wiederholst. Weniger ist mehr. Wichtig ist, dass du die Inhalte wirklich gut einübst, damit du sie in dein Improvisationsrepertoire integrieren kannst.

Noten zum Entdecken und Verinnerlichen von Improvisationen

Dein Improvisationsrepertoire kannst du auch über Notenmaterial mit neuen Spielideen versorgen. Noten lesen und improvisieren – klingt doch irgendwie nach einem Widerspruch, oder?

Nicht unbedingt. Denn wenn du ein Stück oft genug nach Noten gespielt hast, verselbstständigen sich deine Finger irgendwann. Du wirst nicht mehr jede einzelne Note lesen müssen, vielleicht kannst du das Stück oder einzelne Stellen auch schon ganz auswendig.

Die Spielideen aus den Noten verinnerlichen deine Finger und du kannst sie dann auch an anderer Stelle – in deinen Improvisationen – einsetzen. Außerdem erweiterst du deine Hörerfahrung. Bestimmte Rhythmen und Gestaltungsmöglichkeiten (wie oben beschrieben) werden dir geläufig und bereichern deinen musikalischen Hörschatz.

Das geht natürlich auch über bloßes Musikhören. Aufmerksamer, intensiver und nachhaltiger verinnerlichst du die Musik aber, wenn du sie selbst spielst.

Nimm dir also ruhig komponierte Noten. Am besten kreativ ausgestaltete, die auch eine spontane Improvisation sein könnten. Mit inspirierenden Rhythmen in der Melodie, Vorschlägen oder Trillern. Im Jazz sind solche Arrangements beispielsweise in Notenheften für Bigband-Musik ausnotiert.

Aus kreativen Arrangements kannst du sehr viel für dein Improvisieren mitnehmen.

Besser improvisieren durch Transkriptionen

Was war zuerst da, Noten oder das gespielte Stück? Tja, manchmal ist die Musik auch vor der Notation da. Um die Improvisation besser nachspielen zu können, wurde sie von anderen nachträglich Note für Note aufgeschrieben.

Solche Transkriptionen sind häufig wahre Goldgruben für Improvisationsideen. Wenn du auf fertige Transkriptionen zurückgreifst, enthüllt sich dir eine kompliziert raffinierte Improvisation eines genialen Künstlers vielleicht schon nach kurzer Zeit.

So einige betörende Soli oder Aufnahmen ganzer Stücke gehen in die Geschichte ein und üben auf zahlreiche Musiker einen großen Reiz aus. Vielleicht auch auf dich?

Pianisten können sich beispielsweise einem transkribierten Pianosolo von Hymn to Freedom des großen Jazzpianisten Oscar Peterson widmen. Auf der Website von Tenorsaxophonist Adam Roberts gibt es einige Transkriptionen von Saxophonsoli. Begib dich je nach deinem Instrument und gewünschtem Stück oder Solo online auf die Suche!

Jedes beliebige Stück kannst du prinzipiell auch transkribieren lassen. Im Grunde sind viele Songbooks bekannter Künstler letztlich (vereinfachte) Transkriptionen. Hier kannst du dann so manche geniale Improvisationsidee schwarz auf weiß nachlesen und nachspielen.

Das Studieren und Spielen von Transkriptionen macht dich zu einem besseren Improvisator, also nutze diese Chance!

Neue Improvisationsideen ausprobieren

Jetzt hast du einen Fundus an Ideen, die du ausprobieren kannst. Und das solltest du auch tun. Denn Ausprobieren ist beim Improvisieren letztlich das Wichtigste. Nur so kannst du theoretische Ideen später auch intuitiv umsetzen.

Hier findest du eine einfache Akkordfolge, mit der du nach Herzenslust in Endlosschleife das Improvisieren üben kannst. Eine Alternative wäre beispielsweise auch das 12-Takt-Bluesschema. Bluesfans werden außerdem diese 8‑Takt-Akkordfolgen lieben. Oder du improvisierst über die Melodie eines Songs, der dir gut gefällt.

Gehe Schritt für Schritt vor und teste. Es kann gut sein, dass nicht alle meine Ideen deinem Geschmack entsprechen. Das ist völlig okay. Such dir raus, was dir gefällt! Wenn auch nur eine Sache dabei ist, die dich beim Improvisieren weiterbringt und vielleicht deine nächste Jam Session bereichert, dann ist das ein großer Gewinn für dich. Und nebenbei bemerkt auch für mich. Denn ich freue mich sehr, wenn ich dir mit meinem Artikel weiterhelfen kann!

Dein Ziel ist es, bei Jam Sessions mitzuspielen? Was du neben Improvisieren dafür üben kannst, erfährst du hier.

Was sind deine Erfahrungen und Tipps, um neu inspirierte Improvisationen zu spielen? Ich freue mich, wenn du mir im Kommentar davon berichtest.

👉 Weiterlesen: Warum du singen solltest!

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Improvisation in der Musik

Improvisieren mit einem Musikinstrument ist eine tolle Möglichkeit, sich musikalisch auszudrücken und kreativ zu sein. Es ist etwas ganz Persönliches, denn du spielst deine eigenen Ideen! Am Klavier, auf der Gitarrre, Geige, Querflöte oder jedem anderen Instrument. Improvisieren ist außerdem äußerst nützlich, wenn du bei einer Jam Session mitspielen möchtest.

Musikalisches Improvisieren macht sehr viel Spaß, wenn du dich darauf einlässt. Du solltest es unbedingt ausprobieren! Es ist gar nicht so schwer, wie Anfänger im Vornhinein oft denken. Eine Improvisation zu Musik ist kein Hexenwerk. Aber du brauchst Mut und ein wenig Geduld zum Experimentieren!

Dieser Artikel richtet sich vorwiegend an Improvisationsanfänger. Wenn du schon ein wenig Übung hast und auf der Suche nach neuen Inspirationen bist, kannst du deine Improvisationen mit meinen Tipps und Tricks weiterentwickeln und bereichern.

Die Grundlage deiner Improvisation mit einem Musikinstrument

Eine einfache, wiederkehrende Akkordfolge bietet eine gute Grundlage zum Entwickeln einer eigenen Improvisation. Je nach Instrument kannst du die Harmonien und die Melodie gleichzeitig spielen. Oder du verwendest für die Harmonien eine Aufnahme, die du beispielsweise mit einer Loop-Station selbst machen kannst. Außerdem bietet sich die Playalong-App iReal Pro an, die ich insbesondere Melodieinstrumenten für die Begleitung sehr empfehle.

Eine Akkordfolge bildet dieB Basis für deine Improvisation. Durch Wiederholung der Akkordfolge in einer Endlosschleife kannst du dich improvisatorisch austoben und Verschiedenes ausprobieren. Eine tolle Sache!

Die Möglichkeiten an schönen Akkordfolgen sind endlos. Du kannst dir raussuchen, was dir gefällt. Oder auch selbst experimentieren. Selbstverständlich kannst du auch über die Akkordfolge eines bestimmten Songs improvisieren. Für den Anfang ist aber eine einfache, überschaubare Akkordfolge gar nicht schlecht.

Häufig wird das 12-Takt-Bluesschema gespielt. Aber es geht auch noch unkomplizierter. Heute stelle ich dir eine Akkordfolge aus vier Akkorden vor. Diese werden ohne weiteres Schema immer in der gleichen Reihenfolge aneinandergereiht. Klingt hier als Texterklärung bestimmt langweilig. Aber gespielt lassen sich schöne Sachen daraus machen!

Über die Akkordfolge I‑VI-IV‑V improvisieren

Die Akkordfolge bespielt die Stufen I‑VI-IV‑V einer Tonleiter. Es handelt sich hierbei um die Tonika, deren Parallele, die Subdominante und schließlich die Dominante, die meist als Septakkord gespielt wird und wieder zur Tonika überleitet.

In C‑Dur wäre das also: C Am F G⁷

In F‑Dur: F Dm B♭ C⁷

In G‑Dur: G Em C D⁷

Eine Übertragung ist natürlich in alle Tonarten möglich. Auch in Moll kannst du die Folge I‑VI-IV‑V spielen.

In A‑Moll bedeutet das: Am F Dm E⁷

In D‑Moll: Dm B♭ Gm A⁷

In E‑Moll: Em C Am H⁷

Hier kannst du dir die Akkordfolge anhören. Die Audios stammen aus der Playalong-App iReal Pro.

In C‑Dur:

In A‑Moll:

Die Akkordfolge kennenlernen durch Hören

Am Anfang ist es hilfreich, die Akkordfolge erst einmal zu verinnerlichen. Spiele oder höre dich ein, bis du sie im Ohr hast. Das kannst du gut testen, indem du versuchst, eine Melodie mitzusummen. Und zwar entschlossen ab der Eins, also nicht durch Vorhören des jeweiligen Akkordes! Wenn dir hier die Orientierung fehlt, kennst du die Akkordfolge noch nicht gut genug.

Falls du an dieser Stelle den Geheimtipp zwischen den Zeilen nicht gelesen hast: Falls dir einmal beim Improvisieren in der Tat die Orientierung fehlt, kannst du dich oft retten, indem du auf die Eins den Akkord hörst und auf die Zwei oder gar Drei erst mit deiner Improvisation startest. Aber das nur am Rande. Falls du jetzt verwirrt sein solltest, dann denke darüber besser nicht mehr nach!

Kehren wir zurück zu einem strukturierten Vorgehen, Schritt für Schritt, um erst einmal Orientierung zu schaffen: Dafür empfehle ich dir sehr, die Akkordfolge gut zu verinnerlichen, was letztlich die Grundlage für eine kreative, nichtverkopfte Improvisation ist.

Du bist so weit und kannst zur Akkordfolge, über die du mit deinem Musikinstrument improvisieren möchtest, gut mitsummen und die Melodie auch variieren? Dann ist es gar nicht mehr weit bis zu einer einfachen Improvisation!

Ein Minimum Theorie für Improvisationsanfänger

Mach dir klar, welche Vorzeichen die Tonart hat, in der du improvisieren möchtest. Denn mit den Tönen der jeweiligen Tonleiter hast du eine gute Grundlage für passende Töne. Noch sicherer und an jeder Stelle im Takt anwendbar sind natürlich die Töne des jeweiligen Akkordes.

Bei Desorientierung kannst du zum Grundton zurückkehren. Von dort aus kannst du dich wieder weiter vortasten. Mit dem Grundton des jeweiligen Akkordes kannst du auch ganz einfach einsteigen. Spiele den Grundton als einen langen Ton. Oder wenn du magst, wiederhole ihn in einem bestimmten Rhythmus.

Musik improvisieren durch Experimentieren

Bevor du dich aber zu sehr in Theorie verstrickst, empfehle ich dir, zu experimentieren. So fällt der Einstieg in die Improvisation oft leichter und macht vor allem auch mehr Spaß. Mit mehr Theorie kannst du dich auch später noch beschäftigen, um beispielsweise mit deiner Improvisation neue Akzente zu setzen.

Improvisiere zu dieser Akkordfolge in Endlosschleife. Bestimmt ist dein erster Durchgang nicht der beste! Aber durch zahlreiche Wiederholungen wirst du dich gut hineinfinden und merken, was funktioniert und was nicht.

Es kann gut sein, dass du aufgrund deiner Hörerfahrung vieles automatisch richtig machst. Lange Analysen und Erklärungen halten dich dann eher auf, als dass sie dich weiterbringen.

Natürlich hängt es davon ab, welcher Spieltyp du bist. Wenn du ernsthaft das Gefühl hast, dass dich fundierte Theorie weiterbringt, dann beschäftige dich damit! Aber mach es nicht aus dem Grund, weil dir irgendein Lehrbuch es so beibringen will oder dir der Mut zum Ausprobieren fehlt!

Mein Rat zu Beginn des Improvisierens ist ganz klar das Hören und Ausprobieren. Schließlich möchtest du Musik machen! Kreativ sein und spielen, was dir gerade einfällt und gefällt. Mit Aktion und Reaktion auf dein eigenes Spiel.

Hierbei lernst du sehr viel. Und es wird dir für alle deine künftigen Improvisationen mehr Sicherheit geben, wenn du bei einem unbeabsichtigten Ton nicht aufschreckst, sondern die Melodie fortführen kannst!

Die schönsten Improvisationen habe ich immer dann hinbekommen, wenn mir gut bekannt war, wie die Akkordfolge klingt. Auf dieser Grundlage kannst du mit Spaß loslegen und ausprobieren. Falls es für dich so nicht klappen sollte, kannst du immer noch einen anderen (theoretischeren) Ansatz wählen.

Improvisieren beginnen mit kleinem Tonvorrat­­­­­ für eine Tonart

Mach es dir zu Beginn einfach! Wähle erst einmal nur eine Tonart für die Akkordfolge für dich aus. Dazu suchst du dann eine Melodie. Ein bis zwei Töne pro Takt bzw. Akkord sind erst einmal völlig ausreichend für eine schön improvisierte Melodie. Gib dir Zeit, passende Töne zu finden.

So sehr viele verschiedene wirst du gar nicht brauchen. Vielleicht findest du 3 oder 4 verschiedene Töne, die gut funktionieren. Ein kleiner Tonvorrat ist oft schon völlig ausreichend – und Gold wert! Merke dir diesen, denn daraus kannst du dann ohne nachzudenken schöpfen. Außerdem schaffst du dir damit die Grundlage für alles Weitere. Für mehr Variation in den Tönen und im Rhythmus.

Denke auch daran, dass du Töne ganz einfach wiederholen kannst, was dein Spiel rhythmisch abwechslungsreicher gestaltet. Und nach und nach kannst du weitere Töne mit dazunehmen.

Das Allerwichtigste ist, dass du dabei immer in der Akkordabfolge bleibst.

Improvisieren über die Akkordfolge in weiteren Tonarten

Du hast eine Tonart bereits gemeistert? Dann probiere es als nächstes mit einer weiteren Tonart. Hierfür wiederholst du dein Vorgehen wie bei der ersten Tonart. Oder du überträgst deinen gefundenen Tonvorrat in die neue Tonart. Beides ist möglich und ein guter Weg.

Mach es also ruhig so, wie es für dich am leichtesten ist.

Ein Tipp für musikalisches Improvisieren zum Schluss

Natürlich kannst du es beim Improvisieren auf die Spitze treiben. Wie beim Darbieten von aufgeschriebenen Stücken sind dir auch hier keine Grenzen gesetzt. Aber lass dich davon nicht entmutigen. Auch eine ganz einfache Improvisation ist eine Improvisation. Und sie ist wertvoll, sobald sie dir in irgendeiner Weise etwas gibt.

Du darfst deine Kreativität ausleben! Du spielst frei und klebst nicht am Notenblatt! Du erschaffst etwas für den Moment, etwas Einmaliges, was beim nächsten Mal wieder anders ist. Deine geschaffene Musik ist vergänglich. Aber dafür ist es umso reizvoller, immer wieder etwas Neues zu kreieren. Du weißt selbst nicht, was als nächstes kommt und erlebst Überraschungen!

Du wirst es nicht bereuen.

Genug geschrieben! Ran an dein Instrument. Nimm die von mir oben beschriebene Akkordfolge oder irgendeine andere und wage dich an eine Improvisation! Ich wünsche dir Mut für Experimente! Viel Spaß beim Improvisieren!

Weitere Informationen zum Improvisieren von Musik

Falls du möchtest, kannst du deine Improvisation am Ende auch zu einer Komposition ausarbeiten. Wenn du deine Improvisationen  mit neuen Ideen auf das nächste Level heben willst, dann lies hier weiter.

Außerdem kannst du dich über die Melodie eines Songs und Variationen davon super Schritt für Schritt ans Improvisieren herantasten, was ich dir aus eigener Erfahrung sehr empfehlen kann. Es macht richtig viel Spaß!

Du spielst Klavier? In diesem Artikel erfährst du, warum es sich unbedingt lohnt, Akkorde auf dem Klavier zu spielen.

Bluesimprovisation am Klavier

Wenn du dich für Bluespiano interessierst, schau dir zwei meiner Lieblingsakkordfolgen für Bluessongs an. Anhand von Beispielsongs kannst du damit Bluesimprovisation üben. Ein Muss für alle, die Blues lieben!

Allen Klavierspielern, die noch mehr Herausforderungen suchen und einen kreativen bluestypischen Spielstil entwickeln möchten, empfehle ich meine Tipps für Blues am Klavier.

👉 Weiterlesen: Lerne Akkorde am Klavier online bei Freiklavierspielen.com!

Audios: aus der App iReal Pro (irealpro.com)

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